Sophie Scholl: Los últimos días
Ficha técnica
Dirección: Marc Rothemund.
País: Alemania.
Año: 2005.
Duración: 117 min.
Género: Drama.
Interpretación: Julia Jentsch (Sophie Scholl), Alexander Held (Robert Mohr), Fabian Hinrichs (Hans Scholl), Johanna Gastdorf (Else Gebel), André Hennicke (Dr. Roland Freisler), Florian Stetter (Christoph Probst), Johannes Suhm (Alexander Schmorell), Maximilian Brückner (Willi Graf), Jörg Hube (Robert Scholl), Petra Kelling (Magdalena).
Guión: Fred Breinersdorfer.
Producción: Christoph Müller, Sven Burgemeister, Fred Breinersdorfer y Marc Rothemund.
Música: Reinhold Heil y Jonny Klimek.
Fotografía: Martin Langer.
Montaje: Hans Funck.
Diseño de producción: Jana Karen-Brey.
Vestuario: Natascha Curtius-Noss.
Estreno en Alemania: 24 Febrero 2005.
Argumento:
Munich, 1943. Mientras Hitler está devastando Europa, un grupo de jóvenes, sobre todo estudiantes universitarios, recurren a la resistencia pasiva como única vía efectiva para combatir a los nazis y su inhumana máquina de guerra. De este modo cobra forma "La rosa blanca", movimiento que busca la caída del Tercer Reich. Sophie Scholl (Julia Jentsch) es la única mujer del grupo.El 18 de febrero, Sophie y su hermano Hans (Fabian Hinrichs) son sorprendidos distribuyendo panfletos en la universidad y se los llevan arrestados. En los días sucesivos, el interrogatorio de Sophie por el oficial de la Gestapo Mohr (Alexander Held) se convierte en un intenso duelo psicológico. Ella miente y niega, desesperada por proteger a su hermano y al resto de compañeros. Sacudido por la poco habitual valentía de Sophie, Mohr incluso le ofrece una salida, pero ello conllevaría traicionar sus ideales. Ella rechaza la oferta, sentenciando su destino.Esta es la historia real de una joven que hizo lo que muy pocos alemanes de su tiempo se atrevieron a hacer e incluso a pensar.
Mensaje:
El mensaje de la película está relacionado con hacer un auto cuestionamiento ¿Hasta qué punto estamos dispuesto a sacrificarnos por nuestros ideales?
Criticas:
"Tiene la virtud de la reflexión, del recordatorio (...) excelente interpretación de la joven protagonista" (Javier Ocaña: Diario El País)
"El realizador deja hacer a sus intérpretes. (...) sin inútiles exhibiciones de cámara ni lacrimógenos melodramas (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (Federico Marín Bellón: Diario ABC)
"Los últimos días de Sophie Scholl" recogió en la pasada edición de la Berlinale, en 2005, dos premios para el director Marc Rothermund y para su actriz protagonista, Julia Jentsch. Ambos repitieron su triunfo en los premios de la Academia Europea del cine y la película compite en 2006 por el Oscar a mejor film extranjero en habla no inglesa. La larga lista de premios no debe caer en saco roto, porque "Sophie Scholl" es un drama con una enorme fuerza narrativa, un tema interesante y muy buenas actuaciones. Julia Jentsch interpreta con una vehemencia inusitada a un miembro de la resistencia alemana contra el régimen nazi, en el Munich de 1942. Sophie Scholl es denunciada y capturada por la Gestapo junto a su hermano, otro estudiante, que confiesa pronto en contra de la resistencia que Sophie demuestra. El Estado los declara traidores a su causa y los condena a ser ejecutados. Adaptar la vida heroica de una figura legendaria y tan positiva como Sophie Scholl conlleva problemas añadidos, como el tono apropiado al tema, que Rothermund ha sabido superar inteligentemente. Como el título original indica, la película se desarrolla en los últimos días de vida de Sophie, evitando así largas indicaciones psicoanalíticas sobre la vida anterior de una de las líderes más importantes de este movimiento. Scholl, a su vez, sale vencedora de la difícil misión de transmitir a la vez fortaleza y miedo, así como el debate fundamental entre la fe en una causa superior a la propia vida y el deseo natural de conservar ésta. No es la primera película que se realiza sobre el tema, pero Rothermund y el guionista Fred Breinersdorfer han tenido acceso a los últimos documentos desclasificados, aquellos que recogen transcripciones del interrogatorio al que los nazis sometieron a Scholl. El film se suma a la larga lista de películas que tratan el tema del Tercer Reich desde un punto de vista diferente, resultando en un curioso y accidental espejo de la película "El hundimiento", que recoge las últimas horas de vida de Hitler. "Sophie Scholl" es un drama muy amargo, que ofrece menos lugar a la esperanza, pero que resulta emocionante y evita el adoctrinamiento innecesario.
Copyright © Uno 2006.(http://es.movies.yahoo.com/s/sophie-scholl-los-ultimos-dias/critica-176207.html)
Otros antecedentes:
Premios:
Berlinale, 2005
“Oso de plata: Mejor director” - Marc Rothermund
“Oso de plata: Mejor actríz” - Julia Jentsch
Premio del cine europeo, 2005
“Mejor actríz europea” - Julia Jentsch.
Premios del cine alemán (“Lolas”)
“Mejor actriz” - Julia Jentsch
“Premio del público”
Deutscher Filmpreis
“Mejor película”, Premio de plata
“Mejor actríz protagonista” - Julia Jentsch
78º Premios de la Academia
Nominada para “Mejor película en lengua extranjera”
25º Fajr International Film Festival, 2007
"The Special Jury Award"
El Regalo
Ficha técnica:
País: Chile
Idioma: Español
Año: 2008
Duración: 108 minutos
Género: Comedia
Productora: Delirio Films
Director: Cristián Galaz Andrea Ugalde
Actores: Julio Jung, Jaime Vadell, Nelson Villagra, Gloria Münchmeyer, Héctor Noguera, Delfina Guzmán
Argumento:
El Regalo es la historia de 3 amigos entrañables. Francisco, Pacheco y Tito. Francisco, viudo y recién jubilado, está pasando por un momento difícil. Para animarlo sus dos amigos deciden hacerle un regalo. Lo invitan a un paseo a las termas de Chillán y además invitan a Lucy, novia de juventud de Francisco, quién ilusionada acepta acompañarlos.Pero las cosas no siempre resultan como las ideamos. Este paseo les traerá muchas sorpresas, conocerán a Carmen, Nicolás y Martín y cambiará los planes y las vidas de todos. El Regalo es una comedia romántica, dónde se mezclan divertidos enredos con encantadores personajes, en un viaje que será una experiencia inolvidable
Mensaje:
El mensaje de que la película nos deja es que vivir no implica ser joven, la vida termina con la muerte no con la llegada de la vejez, porque aún así, la vida nos trae sorpresas cuando menos lo esperamos.
Críticas:
Leopoldo Muñoz (Las Ultimas Noticias)"Resulta casi inédito en nuestro registro audiovisual el tratamiento del ocaso de la vida, pero cuya intensidad lamentablemente se desvanece al transitar de una escena emotiva a la picardía reinante en el hotel".
Antonio Martínez Wikén: "El montaje controla la situación, se aplaca el ritmo de la comedia y en vez de tender al desborde, la película tiende a entrar en vereda. Es decir, a los buenos consejos, las mejores intenciones y algo de autoayuda para los veteranos que están solos".
Otros Antecedentes:
“El Regalo” de Nelson Villagra: la vuelta al terruño natal
Viernes 26 de septiembre de 2008.
Las Termas de Chillán, lugar donde se desarrolla el filme, fue para el elenco de la película muy importante, porque es un lugar de reposo y tranquilidad, un microclima donde se desarrolló mágicamente “El Regalo”, han señalado sus protagonistas. Allí suceden los hechos que dan vida a esta comedia condimentada de profunda verdad. Las Termas proporcionó una gran diversidad dentro de sus instalaciones y los personajes de la película, quienes deambularon por saunas, spa, masajes, paseos y todo cuanto era posible para encarnar a un grupo de viejos llenos de energía y ganas de vivir.
Nelson Villagra llegó desde Montreal, Canadá, donde reside desde hace 22 años, especialmente para unirse a sus compañeros de “El Regalo” y dedicarse a promover el estreno de la película donde realiza su primer protagónico en una comedia. El estreno de la película se realizará el jueves 2 de octubre simultáneamente en todo el país.
CON CHILLÁN EN EL CORAZON.
En conversación telefónica desde Santiago, Nelson Villagra nos expresó lo contento que está con la película. Le permitió además, reencontrarse con viejos amigos. “Ha sido maravilloso, con Delfina Guzmán y Jaime Vadell nos conocemos de nuestros inicios, en Concepción, hace medio siglo, toda una jornada riquísima de vida. Noguera (Héctor) y Gloria (Munchmeyer), igualmente son gente formidable y de mi tiempo de actor en Chile”.
La película le ofreció la posibilidad de una gran satisfacción en lo actoral, y el regresar a Chillán su ciudad natal. “Las Termas de Chillán fue una experiencia fuera de serie, la atención increíble, nos trataron realmente bien. Estuvimos allí cuatro semanas. En cuanto a Chillán siempre lo tengo en mi corazón. Está tan cambiado como yo. Lo dejé cuando tenía 46 mil habitantes; está más grande. Pero el cariño, los sentimientos, son los mismos. Recuerdo el tren a Dichato, el tren Chico a la cordillera, que nunca debieron perderse y creo firmemente que deberían recuperarse, con un sentido de cultura, historia y turismo. Soy hijo de ferroviario y vivíamos en las inmediaciones de la Estación en Chillán. Están los recuerdos intactos, me encanta viajar en tren y cada vez que lo hago me acuerdo de mi Chillán”.
Ya está radicado definitivamente en Canadá, donde se dedica al cine. “Hacer teatro es prácticamente imposible, el financiamiento, la barrera del idioma, pero estoy haciendo cine y me encanta”.
En cuanto a la película que será pre estrenada hoy a las 20.30 horas en cine Plaza El Roble (sólo invitados), dice que le encantó trabajar en ella, su temática, en que los adultos mayores son tratados con respeto, cariño y se divierten. “Ni siquiera hubo un chiste de mal gusto. Ha sido un éxito, con un trabajo de equipo que vale la pena destacar”.
http://www.diarioladiscusion.cl/diario/?control=porsec&id_noticia_p=48794&id_diario=26092008&id_categoria=04&fecha=26/9/2008
Trainspotting
Ficha técnica
Año de producción: 1996
Dirección: Danny Boyle
Intérpretes: Ewan McGregor, Ewen Bremner, Jonny Lee Miller, Kevin McKidd, Robert Carlyle, Kelly Macdonald, Peter Mullan, James Cosmo, Shirley Henderson, Irvine Welsh.
Guión: John Hodge
Fotografía: Brian Tufano
Distribuye en DVD: Universal
Duración: 98 min.
Público apropiado: Adultos
Género: Drama
Contenidos: Acción 2, Amor 1, Lágrimas 1, Risas 1, Sexo 2, Violencia 2
Argumento:
"Elige la vida. Elige un trabajo. Elige una carrera. Elige una familia..." Listo, gracioso, enfermizo y a veces simplemente inconsciente. Mark Renton (Ewan McGregor) es un héroe de nuestro tiempo. Trainspotting, ambientada en el Edimburgo suburbial, nos presenta la historia de Mark y sus amigos: un puñado de perdedores, truhanes, psicópatas, rateros y yonkies. Hilarante pero desgarradora, la película relata la desintegración. Sólo Mark tiene la inteligencia y la oportunidad para huir de su destino, ¿pero quiere realmente "decir sí a la vida"?
Mensaje:
El mensaje de la película es ¿Qué elegir? Se muestran 2 opciones de vida, por un lado la vida que te inculca la sociedad con una casa, una hipoteca, un auto, un perro, responsabilidades, fracasos, éxitos, una vida “normal”, y por otro lado una vida sin responsabilidades donde el único interés es tener dinero para conseguir droga. El personaje principal, dice “Yo elegí no elegir la vida, yo elegí otra cosa. ¿Razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?” (I chose not to choose life, I chose something else. And the reasons? There are no reasons. Who need reasons when you've got heroin?"). Pero luego el protagonista se reivindica. Y ese es el mensaje, es mejor "La vida" y no depender de una sustancia química nociva, que te impide vivir.
Críticas:
En 1996 Danny Boyle ofreció esta reflexión y crítica sobre los problemas derivados del consumo de drogas, y sobre la misma sociedad que induce la desorientación de las mentes vulnerables , utilizando una narrativa que expone el relato con un uso equilibrado de la comicidad y la amarga ironía con el objeto de que su mensaje llegase a un amplio espectro del público. Dio con la fórmula para impactar a los espectadores sin aplastar la meritoria intención expresiva en un conjunto que tiende hacia la simplificación y el uso de tópicos (esto, en última instancia, termina siendo un mal menor), con lo cual tenemos un buen exponente de cine de compromiso social afín a las expresiones culturales postmodernas que sirven de referencia para las generaciones a las que va destinado el producto (el variado surtido de canciones que acompañan a los estados de ánimo de los protagonistas juega un papel fundamental como factor atrayente).
Aporta poco narrativamente, y en conjunto no va mucho más allá de ser un agregado de gags que estructuran la descripción de un submundo poblado por seres atrapados en un círculo de vacuidad: la imagen que abre el relato (con el personaje central huyendo mientras la voz en off enumera los objetos materiales, que son el narcótico de la “sociedad del bienestar“) contrapuesta al cierre (con el mismo personaje que cierra su ciclo evocando los parámetros que definen la “buena vida”), construyen su significado esencial, en un mensaje en absoluto complaciente para nadie: seas un drogata o seas un consumidor de la “buena vida“, el vacío te alcanza hasta la sepultura. Corrosiva mirada a la sociedad, aunque esto también conlleva una simplificación, puesto que somete dos estilos de vida a una misma proposición, lo cual también resulta en una idea un tanto manierista.
En cualquier caso, la dinámica y nervuda puesta en escena resulta en un ejercicio meramente descriptivo que exagera los perfiles para resultar lúdico, recurre con soltura al delirio surrealista y construye su propio universo sin caer en innecesarias espesuras que invaliden la intención del autor: hablarle a la sociedad sobre la droga, no como un mal en sí mismo, sino como una pieza más del entramado de objetos que nos esclavizan y despojan al mundo de todo significado.
Critica de "Trainspotting" publicada el 2008-01-05
Más críticas de José A. Peig (http://www.muchocine.net/criticas/3863)
Otros Antecedentes:
Basada en la novela escrita por Irvine Welsh
El título Trainspotting tiene un doble significado, por un lado hace referencia a un pasaje del libro en el que Begbie y Renton conocen a un borracho en la estación de trenes. Begbie y Renton usan la estación para hacer sus necesidades y el borracho les pregunta, intentando hacer un chiste, si están haciendo "trainspotting". Por otra parte hace referencia al argot escocés en donde el termino "trainspotting" significa buscar una vena para inyectarse droga. El término anglosajón "trainspotting" se utiliza para refererirse a la afición relativamente popular en el Reino Unido de observar trenes. Este hobby es similar al de la planespotting, pero con aviones en lugar de trenes.
Trainspotting es considerada una de las películas de culto de los años noventa.
Boyle ha declarado a los medios que va a preparar la secuela de Trainspotting que tendrá lugar diez años después de su película original. Está esperando a que los actores originales envejezcan visiblemente.
Lo que el viento se llevó
(Gone with the wind)
Ficha técnica :
Dirección: Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood
Ayudante de dirección: Eric Stacey
Producción: David O. Selznick
Guión: Margaret Mitchell y Sidney Howard
Música: Max Steiner
Sonido: Thomas T. Moulton
Fotografía: Ernest Haller
Montaje: Ernest Haller
Escenografía: Edward G. Boyle
Vestuario: Walter Plunkett
Reparto: Clark Gable, Vivien Leigh, Leslie Howard, Olivia de Havilland, Thomas Mitchell, Hattie McDaniel, Fred Crane.
País: Estados Unidos
Año: 1939
Género: Drama
Duración: 238 min
Argumento:
Mediados del siglo XIX. Scarlett O’Hara (Vivien Leigh), una bella joven caprichosa y pasional, vive en una de las grandes mansiones del sur de los Estados Unidos rodeada de esclavos negros y todo tipo de lujos. Lo único que no puede conseguir es a Ashley Wilkes (Leslie Howard), el hombre del que está enamorada y que, a su vez, está comprometido en matrimonio con su prima, Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), una dulce y cariñosa mujer incapaz de odiar.
La Guerra de Secesión está a punto de estallar y los jóvenes sureños muestran su entusiasmo por entrar en combate. No así Rhett Butler (Clark Gable), un hombre atractivo que no tiene más interés que su propio beneficio. Butler se enamora de Scarlett durante una fiesta en los «Doce Robles», la finca de Ashley, y no cesará en su empeño de lograr su amor durante toda la película, a pesar de que Scarlett seguirá obsesionada con Ashley a pesar del paso de los años y de varios matrimonios por interés.
El espectador asiste a la evolución vital de la protagonista, desde su adolescencia hasta su madurez, y a su lucha constante por sobrevivir y conseguir todo lo que se propone. Un personaje lleno de fuerza, ambición, autoestima e incapacidad de sentir miedo que cautiva e imprime ánimos en todo aquel que se acerca a ella.
Crítica
Casi 4 horas de cine de leyenda. El enorme y multi-generacional éxito de esta excelsa obra tiene una simple explicación: pocas películas están mejor contadas y, sobre todo, cautivan con una historia tan arrebatadoramente repleta de amor, odio, amistad, aventuras, guerra, familia... una fábrica de provocar sentimientos, lágrimas y sonrisas. Un clásico irrepetible.
Pablo Kurt
Mensaje
El mensaje de esta película es que debe haber un equilibrio entre ¿Qué tanto estoy dispuesto a hacer para lograr lo que quiero? Y ¿Estoy dispuesta a pasar a llevar a otros para lograr lo que quiero?
Otros Antecedentes:
El guión —obra de Sidney Howard, merecedor de un Oscar— se basa en la novela escrita por Margaret Mitchell
La famosa frase final de Rhett Butler «Frankly my dear, I don't give a damn» a punto estuvo de no pasar la censura. David O. Selznick tuvo que pagar una suma de dinero a los censores para poder dejar la palabra damn en la frase.
Con motivo del estreno el alcalde de la ciudad declaró tres días de fiesta. Dentro de los asistentes estaban las estrellas de la película, Laurence Olivier, Carole Lombard y Margaret Mitchell, por otro lado los actores negros, como Hattie McDaniel, Butterflye McQueen y otros fueron excluidos del mismo.
La naranja mecánica
(A Clockwork Orange)
Ficha técnica
Dirección Stanley Kubrick
Producción Stanley Kubrick
Guión Stanley Kubrick
Música Wendy Carlos
Reparto:
Malcolm McDowell: Alex
Patrick Magee: Señor Alexander
Michael Bates: Guardia de la prisión
Warren Clarke: Dim
Adrienne Corri: Señora Alexander
Miriam Karlin: Mujer de los gatos
James Marcus: Georgie
Michael Tarn: Pete
País(es) Reino Unido
Año 1972
Género Drama
Duración 131 minutos
Argumento:
Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex (Malcolm McDowell) es un joven hiperagresivo con dos pasiones: la ultraviolencia y Beethoven. Al frente de su banda, los drugos, los jóvenes descargan sus instintos más violentos pegando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el crimen, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocia
Mensaje:
En esta película el mensaje principal que se puede obtener es que viviendo en una sociedad violenta, una transformación mediante el condicionamiento humano por métodos científicos violentos, por muy efectiva que sea ese método, no va ser aplicable en un contexto tan violento como el nuestro, en una sociedad tan violenta. Por otro lado, ¿Es necesario recurrir a métodos tan inhumanos para lograr la reinserción de un ser humano a la sociedad? ¿Tendremos que llegar a ese punto para reinsertar socialmente a los delincuentes?
Critica:
Tan hermosa de ver y de oir que deslumbra los sentidos y la mente." (Vincent Canby: The New York Times)
"Una demostración de fortaleza que hace de Kubrick un verdadero genio del cine." (Paul Zimmerman: Newsweek)
"Un trabajo con un estilo casi intachable." (Jay Cocks: Time)
"Una de las pocas películas perfectas que he visto en mi vida." (Rex Reed: The New York Observer)
"Polémica, extraña, agobiante, desagradable y magnética visión de la ultraviolencia a ritmo de Beethoven." (Javier Ocaña: Cinemanía)
"Encarnizada sátira de una sociedad futura consumida por la violencia y el salvajismo (...) Kubrick en estado puro, con sus defectos y sus virtudes." (Fernando Morales: Diario El País)
Otros Antecedentes:
Basado en la novela de Anthony Burgess.
Burgess tiene sentimientos encontrados respecto a la adaptación fílmica de su novela. Públicamente, amó a Malcolm McDowell y Michael Bates, y al uso de la música; catalogó al filme de "brillante", aún como un filme tan brillante que podría ser peligroso. Su reacción original a la película fue entusiasta, insistiendo en que la única cosa que le molestaba era la omisión del último capítulo de la historia, por lo cual culpó al editor americano y no a Kubrick.
De acuerdo a su autobiografía, Burgess se entendió muy bien con Kubrick. Ambos sostenían filosofías y opiniones políticas similares; ambos estaban muy interesados en la literatura, el cine, la música y Napoleón Bonaparte (Burgess le dedicó su libro Napoleon Symphony a Kubrick). Sin embargo, las cosas se pusieron mal cuando Kubrick le dejó a Burgess la defensa de la película frente a acusaciones de que magnificaba la violencia. Un devoto cristiano, Burgess trató varias veces de explicar el punto moralmente cristiano de la historia a enfurecidas organizaciones cristianas quienes sentían una influencia satánica en la película; Burgess incluso recibió premios por Kubrick.
Burgess estaba sumamente herido, sintiendo que Kubrick lo había usado como una prenda publicitaria para el film. Malcolm McDowell, quien hizo un tour de publicidad con Burgess compartía sus sentimientos y hubo veces en que dijo cosas hirientes a Kubrick. Burgess y McDowell citaron como evidencia del gran ego de Kubrick que sólo el nombre de éste aparecía en los créditos de apertura de la película.
Nominada a 4 Oscar: película, director, guión y montaje, y sin embargo, una cinta prohibida -tanto su exhibición como su venta y alquiler- durante 30 años en el Reino Unido.
Belleza Americana
(American Beauty)
Ficha Técnica:
Dirección: Sam Mendes.
País: USA.
Año: 2000.
Duración: 122 min.
Intérpretes: Kevin Spacey (Lester Burnham), Annette Bening (Carolyn Burnham), Thora Birch (Jane Burnham), Wes Bentley (Ricky Fitts), Chris Cooper (Coronel Fitts), Mena Suvari (Angela Hayes).
Guión: Alan Ball.
Fotografía: Conrad L. Hall.
Montaje: Tariq Anwar y Christopher Greenbury.
Música: Thomas Newman.
Diseño de producción: Naomi Shohan
Argumento:
Esta es la historia de Lester Burham, un típico padre de familia con un trabajo que odia y un matrimonio en punto muerto que un día se plantea la posibilidad de tener otra clase de vida. La respuesta a su inquietud llevará a Lester a iniciar una rebelión personal contra todo lo que supuestamente debería hacerlo feliz: una vida normal, dinero y estabilidad. Belleza Americana se ha ganado todos los premios y halagos de la crítica a nivel mundial. Las actuaciones son memorables, el inteligente guión es obra de Alan Ball y la dirección estuvo a cargo de Sam Mendes, un inglés reconocido en el ambiente teatral.
Mensaje:
El mensaje de la película está relacionado con: ¿Podemos decir que los miembros de una familia son felices sólo por que su contexto percibe a la familia así? La idea de una familia es que ésta acepte a sus miembros como son, con sus aspectos positivos y negativos y como familia se deben aceptar aquellas cosas o decisiones que alguno tome en pos de su realización personal. Se trata también de querer imponer patrones de conducta a nuestros hijos de acuerdo a lo que los padres creen que es lo mejor, y no presentarse las alternativas y que ellos sean capaces de elegir de acuerdo a sus inquietudes. También que se plantea un conflicto interesante imagen social v/s intereses personales. ¿Debemos sacrificar nuestras motivaciones por la imagen social? ¿La felicidad está relacionada con la posición social que tenga mi contexto de mí o está mas relacionada con lo que me hace feliz a mí como persona?
Critica
"Algo huele a podrido en Norteamérica. Tragicomedia americana de finales de siglo, "American Beauty" es como una fábula. La fábula de la clase media estadounidense en la que de poco sirve alcanzar el "American Way of Life" -traducido: un matrimonio, una hija, un trabajo y una casa con un sofá de seda- si todo está enmohecido por unas relaciones condenadas al fracaso y un día a día rutinario hasta la naúsea. El vecino no está mejor: es más, aseguraría que apesta. Aquí es donde un ácido y demoledor guión arrasa con unos personajes magistralmente dibujados, acertados en la breve exageración que cada uno tiene de su forma de ser, como prototipos de la sociedad en que vivimos: el inseguro, la ambiciosa, la acomplejada, el tímido, la guapa, el triunfador, el fascista... Cuando las comodidades materiales y la civilización se han instalado definitivamente en la mayor parte de la gente, "American Beauty" arremete contra los frágiles pilares morales y las relaciones superficiales, a través de la transformación del personaje principal (insuperable Spacey) y las implicaciones sobre el resto del rebaño. Por si fuera poco, Mendes y Ball nos venden su inteligente ensayo de manera asombrosamente entretenida, siendo de agradecer que una película como ésta, que destila bilis por cada fotograma, no dicte doctrina, no exponga soluciones: sólo consecuencias. Que nos veamos reflejados, que observemos su fascinante bolsa de plástico... bella e hipnótica imagen de vacío contenido". (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)
"Irónica y mordaz reflexión sobre los sueños y aspiraciones de la clase media americana (...) Excelente" (Fernando Morales: Diario El País)
"Magnífica sátira del, así llamado, sueño americano, que disecciona una familia aparentemente ideal para crear una espléndida comedia dramática, ácida y cruel, de excelente puesta en escena e inolvidables interpretaciones" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
Otros Antecedentes
Alan Ball escribió originalmente American Beauty para teatro.
En la serie española Los Serrano que se emitió en Telecinco durante algunos años, se hizo un homenaje a la escena del sueño de Lester en la que el personaje de la actriz Belén Rueda era la protagonista mientras que el de Antonio Resines estaba en el lugar de Lester.
Alan Ball estaba sentado en la plaza del World Trade Center cuando vio una bolsa de plástico flotando en el viento y le inspiró a escribir el guión de la película.
El director Sam Mendes eliminó las escenas originales del principio y del final de la película. Originalmente, la película empezaba y terminaba con escenas mostrando a
Ricky y Jane en prisión acusados del asesinato de Lester.
En la versión original del guión, había una historia separada que mostraba al Coronel Fitts teniendo un amante gay que murió en la Guerra de Vietnam. También incluía una escena en la que Lester y Angela tenían sexo.
La breve escena de topless de Thora Birch (Jane) se filmó en presencia de sus padres y representantes de menores, ya que tenía apenas diecisiete años en ese momento.
Muchas de las escenas del colegio se grabaron en el South High School, en Torrance (California), y muchos de los extras en el gimnasio eran estudiantes del South High.
Paula Abdul aparece en los títulos de crédito como coreógrafa para la película.
Presumiblemente, fue contratada para dirigir la escena de las animadoras.
Sam Mendes fue cambiando la apariencia de las dos chicas a lo largo de la película. Con Thora Birch utilizaba gradualmente menos maquillaje y Mena Suvari utilizaba gradualmente más para enfatizar su visión de que la opinión que tenían ellas mismas cambiaba.
Durante la escena de la segunda cena de la película, se suponía que Spacey sólo iba a tirar un plato de espárragos al suelo. Sin embargo, mientras lo tiraba, Spacey decidió tirarlo a la pared. Las reacciones de sorpresa de Birch y Bening fueron genuinas.
En la caseta de Lester podemos ver un pequeño poster de "Sospechosos habituales" (1995), también protagonizada por Kevin Spacey.
Durante el rodaje Thora Birch tenía 17 años, así que la filmación de su escena desnuda requirió el permiso de sus padres, quienes estuvieron en el plató durante todo el rodaje ejerciendo de representantes de la chica.
En la escena donde el coronel Fitts, su esposa Barbara y su hijo Ricky ven una vieja pelicula del ejercito, uno de los militares dice "Agachate que ahi viene el toro del bosque" en eso Barbara responde - Disculpa? - Podria hacer referencia a que los traumas de su esposa se debian a que el coronel Fitts quizas llego maltratarla sexualmente debido a como reacciono al escuchar esa frase.
Náufrago(Cast Away)
Ficha técnica
Dirección: Robert Zemeckis.
País: USA.
Año: 2000.
Duración: 143 min.
Interpretación: Tom hanks (Chuck Noland), Helen Hunt (Kelly Frears), Nick Searcy (Stan), Chris North (Jerry Lovett).
Guión: William Broyles Jr.
Producción: Robert Zemeckis, Tom Hanks, Steve Starkey y Jack Rapke.
Música: Alan Silvestri.
Fotografía: Don Burgess.
Montaje: Arthur Schmidt.
Diseño de producción: Rick Carter.
Dirección artística: Stefan Dechant, Elizabeth Lapp, Kim Sinclair y William James Tegarden.
Vestuario: Joanna Johnston.
Decorados: Rosemary Brandenburg y Karen O'Hara.
Argumento:
Hanks interpreta a Chuck Noland, un ingeniero en sistemas de FedEx, cuya vida, tanto en lo personal como en lo profesional, está absolutamente regida por el reloj. Su agitada carrera lo lleva, a veces de un instante para el otro, a lugares remotos, y lejos de su novia, Kelly, que interpreta Helen Hunt.
La existencia maníaca de Chuck tiene un final abrupto cuando, luego de un accidente aéreo, se convierte en el único sobreviviente en una isla remota, aislado en el lugar más desolado que sea posible imaginar. Despojado de las comodidades de la vida diaria, primero debe cubrir las necesidades básicas para sobrevivir, incluyendo agua, comida y refugio. Chuck, que siempre encontraba la solución a los problemas, debe encontrar la forma de sostenerse físicamente. ¿Y después qué? Ahí comienza la verdadera travesía personal de Chuck.
Después de cuatro años, el destino le brinda la oportunidad de luchar para lograr regresar a la civilización, sólamente para encontrar un desafío emocional inesperado superior a todos los físicos padecidos hasta el momento. Su capacidad para perseverar y no perder la esperanza son producto de las experiencias vividas. Si bien la conclusión de la historia de Chuck puede no ser un final convencional para Hollywood, es, al igual que la vida, pleno de verdad, dolor y promesa
Critica"Un náufrago, la amistad con su pelota y el insumbergible amor por su chica en una historia donde el tiempo y la distancia lo cambió todo. Zemeckis dirige con gran rigor y autenticidad este film didáctico, cautivador y emotivo sobre la supervivencia, la esperanza y la pérdida. No hay música para el moderno 'Robinson Crusoe', tan sólo las olas del mar. Tampoco hay música (la banda sonora desaparece) para el espectador, que atiende esta soledad en 'crescendo'. No importa: está un Tom Hanks portentoso que aguanta con asombrosa perfección los 143 minutos de una película menospreciada como comercial. Nada más falso: 'Cast Away' es puro -y difícil- cine tan cierto como que Hanks mereció el Oscar... que simplemente no le dieron por tener ya dos. Por cierto que la estatuilla ese año se la llevó Russell Crowe por su correcta interpretación en 'Gladiator', cuando en realidad el actor australiano se la merecía por su anterior película: 'The Insider' (El dilema). Cosas de los Oscar, que a veces también naufragan".
(Pablo Kurt : FILMAFFINITY)Mensaje:
En esta película el mensaje es: sobrevivir ante todo, sean cual sean las circunstancias, la sobrevivencia es un instinto natural del hombre, el ser humano intentará sobrevivir como sea. Y eso lo vemos en la película. Además vemos como el ser humano es un ser que necesita de compañía, es algo intrínseco del ser humano, por eso el protagonista crea a Wilson. Incluido a lo anterior, otro mensaje es: No dejes para mañana lo que puedes hacer hoy, ¿Para que esperar?, es decir, si me duele una muela, voy al destinta no lo evito, si tengo que decirle a alguien lo que siento hacia esa persona, se lo digo, uno no tiene asegurada la estadía en la tierra como para darse el gusto de postergar algunas cosas.
Otros Antecedentes:Premios Oscar 2000Ganador Mejor actor: Wilson
Nominado a Mejor sonido: Randy Thom Tom Johnson Dennis Sands William B. Kaplan
Erin Brockovich
Ficha técnica
Dirección: Steven Soderbergh.
País: USA.
Año: 2000.
Duración: 128 min.
Intérpretes: Julia Roberts (Erin Brockovich), Albert Finney (Ed Masry), Aaron Eckhart (George), Marg Helgenberger (Donna Jensen), Peter Coyote (Kurt Potter).
Producción: Danny DeVito, Michael Shamberg, Stacey Sher.
Guión: Susannah Grant.
Fotografía: Ed Lachman.
Montaje: Anne V. Coates.
Música: Thomas Newman.
Diseño de producción: Phil Messina.
Argumento:
Una madre divorciada dos veces y con tres hijos tiene dificultades para encontrar un empleo. En cierto momento sufre un accidente automovilistico y demanda al culpable. Después de haber perdido dicha demanda decide pedirle trabajo a su abogado, pues ella considera que éste tiene una deuda con ella por no haber ganado su caso. En el desarrollo de su puesto descubre por casualidad que se está tratando de encubrir un fraude de contaminación de agua, el cual está causando enfermedades mortales a las personas cercanas a la comunidad. Erin investiga muy a fondo y logra descubrir que demasiadas personas que viven en los alrededores de las instalaciones de Gas y Electricidad del Pacífico tienen cáncer a causa de tal contaminación. Conoce a George, interpretado por Aaron Eckhart, un motorista, quien cuida de sus hijos y del que se enamora, pero la investigación en la que está involucrada Brockovich resulta ser más importante.
Mensaje:
El mensaje de esta película es: Logra tus objetivos sin importar las adversidades que puedan aparecer en el camino. Es increíble como esta mujer logra “ganar” la demanda, sin tener todo el conocimiento que un abogado posee, lo único que hizo fue ser perseverante, esforzada, sacrificada y determinada al alcanzar ese objetivo. Lo principal que aprendí de esta película fue, aprovechar las instancias que la vida nos da para poder realizarnos como humano, encontrar una meta y luchar por ella.
Críticas:
"Irresistible, un cuento feminista enormemente satisfactorio."
(Kenneth Turan: Los Angeles Times)
"El guión tiene la profundidad y trascendencia de un docudrama para la televisión por cable. (...) Puntuación: ** (sobre 4)."
(Roger Ebert: Chicago Sun-Times )
"Escandalosamente -incluso desvergonzadamente- entretenida. (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)."
(Peter Travers: Rolling Stone)
"Erin Brockovich: altos ideales, y tacones más altos aún. (...) Cuando una película tan ardiente abraza todos los clichés que se ponen por su camino, ¿qué puede hacer este crítico desventurado? 'Erin Brockovich' te hará reir. Te hará llorar. Te hará levantarte y aplaudir. Es la película para sentirte bien del año."
(A. O. Scott: The New York Times)
Otros Antecedentes:
Esta película está basada en una historia real, y la verdadera Erin Brockovich aparece en la película interpretando a una camarera llamada Julia. Esta escena se puede ver cuando Erin y los niños van al restaurante a celebrar su "supuesta" victoria en el juicio.
La Erin Brockovich de la vida real es diestra, meintras que Julia es zurda, así que durante el rodaje de la película hizo el esfuerzo de escribir con la derecha.
El verdadero abogado Ed Masry también aparece en la película. Se le puede ver por detrás del hombro de Julia en la escena del restaurante.
El sorprendente accidente del comienzo de la película fue realizado mediante composición digital de escenas en las que Julia arranca el coche y mediante uno teledirigido controlado por un especialista.
Erin Brockovich es disléxica en la vida real.
Premios y Nominaciones:
Julia recibió los siguientes premios por esta película en la categoría de Mejor
Actriz:
Oscar
Globo de Oro
SAG Awards
BAFTA Film Award
Blockbuster Entertaiment Award
Broadcast Film Critics Association
London Critics Circle Film
Los Angeles Film Critics Association
MTV Movie Awards
National Board of Review
San Diego Film Critics Society
Nominaciones:
Boston Society of Film Critics
Chicago Film Critics Association
Empire Awards
Golden Satellite Award
Las Vegas Film Critics Society
Online Film Critics Society
Billy Elliot
Ficha técnica:
Dirección: Stephen Daldry.
País: Reino Unido.
Año: 2000.
Duración: 110 min.
Interpretación: Julie Walters (sra. Wilkinson), Jamie Bell (Billy Elliot), Jamie
Draven (Tony Elliot), Gary Lewis (padre, Jackie Elliot), Jean Heywood (abuela), Stuart Wells (Michael), Mike Elliot (George Watson), Janine Birkett (madre de Elliot), Nicola Blackwell (Debbie Wilkinson).
Guión: Lee Hall.
Producción: Greg Berman y Jonathan Finn.
Música: Stephen Warbeck.
Fotografía: Brian Tufano.
Montaje: John Wilson.
Diseño de producción: Maria Djurkovic.
Dirección artística: Adam O'Neill.
Vestuario: Stewart Meachem.
Decorados: Tatiana Lund.
Argumento:
1984, Norte de Inglaterra. Billy es un joven de catorce años de familia minera con una peculiaridad: le atrae más el baile que el boxeo. La profesora de ballet pronto ve en él un gran talento y decide darle clases a escondidas de su padre y su hermano mayor. Sin embargo, estos se darán cuenta y obligarán al chico a apartarse de ese "ambiente para niñas", dejándolo al cuidado de su senil abuela. Hasta que ellos mismos superen sus prejuicios y se den cuenta de la valía de Billy.
Mensaje:
El mensaje que yo pude encontrar en esta película fue que debemos hacer lo que nos hace felices, sin importar lo que nos digan los demás, debemos ser capaces, incluso, de enfrentarnos a nuestros seres queridos para lograr nuestros sueños.
Críticas:
Emotiva comedia de los productores de "Cuatro bodas y un funeral" y "Notting Hill", que lograron su objetivo al obtener 3 nominaciones a los Oscar y convertirse en el éxito internacional del cine británico en el año 2000. En un pueblo minero inglés un niño cambia los guantes de boxeo por las zapatillas de ballet, pero el entorno social y familiar le obligará a hacerlo a escondidas. Divertida y conmovedora a ratos -atención a la escena del padre yendo a la mina-, consigue ese toque de complicidad que los filmes ingleses nos regalan de vez en cuando. No se la pierda. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)
"Emotiva, divertida y sensible, aunque rubricada por un epílogo innecesario" (Lluis Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)
"Estupendo drama, salpicado por toques de comedia costumbrista (...) Una delicia" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
"El último peliculón del cine social británico. El que no llore, tiene horchata en las venas" (Javier Ocaña: Cinemanía)
Otros Antecedetes:
Brian Tufano (director de fotografía) utilizó encuadres cerrados cuando filmaba el mundo de la huelga y más abiertos cuando se trataba de filmar a Billy bailando, para sugerir que estaba liberándose del entorno que le asfixiaba. Cinemagazine
La calidad de la película, pese a contar con un equipo maravilloso y grandes actores, dependía en gran medida de la interpretación del personaje de Billy. La aguja en el pajar fue Jamie Bell. Un chico de trece años, que igual que Billy se dedicó al baile a escondidas de sus compañeros de fútbol. Y en gran medida esto ha sido importante en la interpretación de Bell: "Si consigues una actuación verdadera de un niño puede ser algo conmovedor y lleno de fuerza", ha explicado el director
La historia parte del escritor Lee Hall, que encontró la inspiración para la historia cuando empezó a escribir sobre su infancia en América. No es que hubiera un paralelismo entre su vida y la de Elliot, pero tal y como ha afirmado en alguna ocasión: "La historia se escribió sola una vez que encontré la imagen del chico enfrentado a su familia, con el fondo de la comunidad enfrentado a un mundo grande y hostil".
Premios y nominaciones
2000
Ganadora - British Independent Film Awards, RU - Mejor Película Independiente británica.
Ganador - British Independent Film Awards, RU - Mejor Director - Stephen Daldry
Ganador - British Independent Film Awards, RU - Best Newcomer - Jamie Bell
Ganadora - British Independent Film Awards, RU - Mejor Guión
Nominada - British Independent Film Awards, RU - Mejor Actriz - Julie Walters
Ganadora - Propeller of Motovun, Croacia
2001
Nominada - Academy Awards, USA - Best Actress in a Supporting Role - Julie Walters
Nominado - Academy Awards, USA - Best Director - Stephen Daldry
Nominado - Academy Awards, USA - Best Writing in a Screenplay Written Directly for the Screen - Lee Hall
Ganadora - Amanda Awards, Noruega - Best Foreign Feature Film
Nominado - American Cinema Editors, USA - Best Edited Dramatic Feature Film - John Wilson
Nominada - Angel Awards, - Best Feature Film
Nominada - Art Directors Guild, - Feature Film
Nominada - Australian Film Institute, - Best Foreign Film Award
Ganador - BAFTA Awards, - Alexander Korda Award for Best British Film
Ganador - BAFTA Awards, - Best Performance by an Actor in a Leading Role - Jamie Bell
Ganador - BAFTA Awards, - Best Performance by an Actress in a Supporting Role - Julie Walters
Ganador - London Critics Circle Film Awards, - British Actress of the Year - Julie Walters
Nominada - Golden Globe Awards, USA - Best Motion Picture - Drama
2004
La revista Total Film nombró Billy Elliot entre las mejores peliculas británicas de todos los tiempos.
Patch AdamsFicha técnica:
Dirección Tom Shadyac
Producción Mike Farrell,Barry Kemp, Marvin Minoff, Charles Newirth
Guión Patch Adams (libro), Maureen Mylander (libro), Steve Oedekerk
Música Marc Shaiman, Reparto Robin Williams, Philip Seymour Hoffman, Monica Potter
País(es) Estados Unidos
Año 1998
Género Comedia dramática
Duración 115 min.
Idioma(s) Inglés
Argumento:Basada en una historia real, la película es la biografía del médico Patch Adams (Robin Williams), que revolucionó a la comunidad médica oficial aplicando singulares terapias consistentes en hacer reír y proporcionar afecto a los pacientes enfermos de cáncer.
Mensaje: El mensaje que de esta película es que nuestra profesión o trabajo debe hacernos felices, no es sólo algo en lo que nos vamos a desempeñar nuestras vidas, lo que nos va dar de comer, sino que debe ser algo que nos realice como personas. Además esta película nos muestra que debemos hacer lo posible para conseguir nuestros objetivos.
Críticas:
"Guión al servicio de Williams"
(J. Parrondo: Cinemanía)"Previsible y algo tonta, pero también entrañable. Melodrama risueño y triste a un tiempo"
(Omar Khan: Diario El País)Fue número 1 en el Box Office USA.
(FILMAFFINITY)Otros Antecedentes:
Cuando el verdadero Patch Adams visitó Chile hace pocos años, se le preguntó en una entrevista su opinión de Robin Williams, a lo cual Adams respondió: "Es un buen actor. Conmigo fue la persona más amable que se pueda imaginar. Me invitó a vivir a su casa unas semanas y me atendió como a un rey, es cierto. Pero el Sr. Robin Williams cobró 20 millones de dólares por actuar en la película y no dio ni diez centavos para el centro que yo fundé".
Robin Williams acompañó al auténtico Patch Adams en sus visitas a los hospitales para preparar el personaje.
render, amar, explorar, sentir, apasionarse, etc.
